Los cuerdos de Valencia

Los cuerdos de Valencia es una adaptación del texto de Lope de Vega Los locos de Valencia que escribió durante su estancia en Valencia a finales del siglo XVI. Esta comedia de tono burlesco y atmósfera carnavalesca ambientada en un hospital de locos, presenta un enredo ingenioso en el que los personajes, huyendo de una realidad exterior amenazante, encuentran en el manicomio un espacio de refugio y de inesperado enamoramiento. Bestiario Creación y Mariano Estudillo, en la labor de dirección, proponen hacer convivir al publico y los dementes del hospital extendiendo así los límites del manicomio y agrandando su influencia más allá del escenario. 

En este juego resuena el espíritu del P.A.R.R.Ú.S., aquel «partido que era un entero» que hizo de la ironía, el disparate y la irreverencia una forma de desnudar el lenguaje del poder y devolver a la sociedad valenciana su propio reflejo esperpéntico. Recuperamos hoy ese gesto para trasladarlo al hospital: si quienes gobiernan han convertido la realidad en una ficción cada vez más delirante, quizá ya no esté tan claro quién debe permanecer dentro y quién fuera. Convertir nuestro hospital en lugar de encuentro para, entre todas, descubrir si realmente somos nosotras las que viajamos a bordo de esta Stultifera Navis, o son estos bufones con apariencia de político quienes han sido privados de juicio y cordura.

Seres Humantes

Seres Humantes es una pieza corta de tono satírico que explora la fractura entre humanidad y naturaleza, entre el origen y el sistema. Bestiario Creación junto al músico Iván Puñal, se unen para crear un paisaje físico y sonoro abordando temas como la perdida de identidad, el colapso de la civilización moderna, la domesticación del fuego y la pérdida del vínculo con la naturaleza. Seres Humantes expone el agotamiento de un sistema que quema su propio origen. Un ritual de reconstrucción: entre las ruinas del capitalismo, la búsqueda de lo humano.

Método de trabajo:

La investigación nace de un proceso personal y artístico de Borja Minaya, creador escénico, ingeniero espacial y director de esta pieza. Tras años compaginando la ingeniería espacial con la creación escénica en un ritmo de vida frenético, Borja se ve obligado a parar y tomar un descanso. Como consecuencia, inicia un periodo personal de observación, escucha y cuestionamiento. Todo este proceso interno coincide en 2025 con una asesoría escénica junto a la compañía Grumelot, de la que surge la primera fase del actual proyecto de investigación Seres Humantes. 

El proceso de creación se apoya en dos marcos metodológicos complementarios: Viewpoints y Devised Theatre, entendidos como herramientas para la creación colectiva desde la improvisación, la escucha y la composición. A través de improvisaciones individuales y colectivas exploramos el comportamiento de los cuerpos, sus agrupaciones, ritmos, voces y relaciones espaciales.

Jerusalén en llamas

Tras varios meses investigando sobre los textos La venganza de Tamar, de Tirso de Molina y Los cabellos de Absalón, de Calderón de la Barca, ambos inspirados en la historia bíblica del Rey David y su familia, nos hacemos esta pregunta: ¿cómo convivir con nuestras raíces?

Contada por Samuel y en el Libro de los Reyes, nos encontramos ante una familia disfuncional donde las haya, que resulta ser la base de nuestro concepto de familia, de religión, de cultura en definitiva. Tal y como Yuval Noah Harari nos plantea en Sapiens: de animales a dioses, la cultura es el conjunto de ficciones compartidas que nos definen como pueblo. La historia de la familia de David fue descrita en estos textos y, después, convertida en una ficción por el Nuevo Testamento.

Sobre la escena encontramos los vestigios vivos de nuestra derrota humana. Sobre el escenario Jerusalén en llamas.

Método de trabajo:

Jerusalén en llamas es el resultado del laboratorio de investigación teatral y creación de la compañía Bestiario Creación de la mano del director de escena César Barló, especialista en teatro del Siglo de Oro y su puesta en escena contemporánea. En dicho laboratorio investigamos sobre la relación entre las raíces y el origen de la sociedad y el mundo de hoy en día, usando como canal de diálogo el Siglo de Oro, creando una dramaturgia intertextual trenzando los textos La venganza de Tamar, de Tirso de Molina y Los cabellos de Absalón, de Calderón de la Barca.

 Antigonía

El mito comienza con Etéocles y Polínices, los hermanos de Antígona, dándose muerte mutuamente en una disputa por el trono de Tebas. Creonte, el tío de Antígona, se autoproclama rey de Tebas y dicta su primera sentencia: mientras que Etéocles será enterrado en un acto conmemorativo con todos los honores, Polínices, el traidor, será abandonado y condenado a no ser enterrado, dejando así su cuerpo a la intemperie, pasto de gusanos y buitres. De dicha decisión nace la primera pregunta que nos plantea Antigonía: «¿Un enemigo, incluso tras su muerte, jamás se convierte en un amigo?» Antígona tendrá entonces que enfrentarse al dilema más importante de su vida; dejar el cuerpo de su hermano abandonado, presa de la culpa o anteponer su propia ley y enterrar a Polínices, a sabiendas de que saltarse la ley conllevará su muerte.

Método de trabajo:

El proyecto de Antigonía se forja a raíz de improvisaciones en las que la compañía investiga partiendo del texto de Sófocles y usando otros autores contemporáneos tales como Angélica Liddell, Wajdi Mouawad, Antonin Artaud, Bertolt Brecht o Maria Zambrano. Bajo la dirección de Lorena Benito y Antonio Malonda, y la visión de Víctor Velasco, se ha compuesto un montaje físico, menos realista y más cercano a la dramaturgia de la imagen como motor creativo.

La combinación de diversas técnicas escénicas ayuda a confrontar las propuestas que los actores y las actrices lanzaban, usando principalmente la herramienta de los ViewPoints. Apoyados por el equipo artístico y de dirección, con el planteamiento dramatúrgico, la reescritura del texto y el esbozo detallado de la puesta en escena incorporamos danzas y cantos en correspondencia con el espíritu del texto y la historia de las tramas de la obra que queremos reforzar. 

El viaje a ninguna parte

Los Iniesta-Galván, una compañía de cómicos ambulantes, busca su lugar en una España rural asolada por la posguerra. Los caminos les deparan éxitos y fracasos, amores y desamores, encuentros y despedidas, a medida que se van dando cuenta de que quizás ya no hay hueco para ellos en un país que vive el auge del cine, en el que el teatro poco a poco va formando parte del olvido. Años después, Carlos Galván se debate entre delirios de un éxito artístico que nunca alcanzó y el recuerdo de un pasado amargo y doloroso. A medida que se va sumergiendo en aquel viejo recuerdo confrontará la verdad y volverá a vivir aquel viaje…Un viaje a ninguna parte.

Método de trabajo:

La propuesta del montaje nace de la visión del mundo de estos cómicos ambulantes, humildes y carentes de lujo. Partimos del concepto de espacio vacío y construimos toda la escenografía y atrezo con las maletas que acarrean los personajes. Esta puesta en escena minimalista crea una convención que el público acepta rápidamente que nos dota de una capacidad de creación escénica de un alcance inmenso. Convertimos esa caja negra, que es el escenario, en un sin fin de ambientes y escenografías con las únicas herramientas de la luz, la música y las maletas, fieles compañeras de viaje de nuestros personajes.